The Choir Primer – The Unity of Many
人体は最も古い楽器です。拍手、足の踏み鳴らし - すべてが音を発し、意図と一致する場合、物、特性、および状況について存在する、表現する、または立つ心の力は、擬態を通じて表現することができます、リズムと繰り返し。しかし、手足よりも優れているのは人間の声であり、咳、あくび、クリックなどのありふれた音から、口笛、スピーチ、そしてこの記事の目的である歌などのより驚くべきものまで、さまざまな音を出すことができます。
目次拡大崩壊音楽がいつ始まったのかは定かではありません。最も有力な理論は、これら 2 つの要素が世界中の民俗伝統に存在するという事実によって示されるように、それはボーカルとパーカッシブな音楽だったというものです。
西洋音楽の世界における声楽の変種は、3,000 語の記事は言うまでもなく、論文で完全に議論することは不可能です。西洋の世界：聖歌隊。最初に記録されたのは古代ギリシャで、今日に至るまで西洋のカノンの定番となっています。それは、多くの多様な声が集まって 1 つに歌う伝統であり、さまざまな声の色が何度も集まり、自由になり、独自の音色を声に出すことを望んでいます。
合唱団と合唱団は、ほぼ同義語です。どちらも、グループとして一緒に演奏する歌手の集まりを意味します。違いは会場に来ます。合唱団は教会で歌うか、伝統的に、その名前が示すように、聖職者や合唱団に座席を提供する教会の一部である合唱団 (または帖) から歌います。コーラスは、劇場やコンサート ホールで演奏します。
当初はほとんど声楽家だけで構成されていましたが、特にバロック時代以降、他の楽器が参加しました。
古代の起源
ギリシャ人は音楽の独占権を持っていませんでしたし、今日の記譜法で最初の音楽を録音したこともありません。古代インド、エジプト、中国、メソポタミアにはすべて音楽システムがありました。実際、書き記された最も古い音楽はメソポタミアのものです (West, 1994)。しかし、考古学から認識できる限りでは、ギリシア人が最初に重点を置き、グループとして、コーラスとして歌うという概念を作成しました.主な演奏者のテーマと感情を推定する合唱は、ギリシャの演劇に最もよく関連しています。ホーマーでさえ イリアス 記録された表記法は存在しませんが、そのような方法で実行されたはずです。
ただし、いくつかの例は存在します。デルフィック・ヒムスという作曲家の名前がわかる最古の作品と考えられています。
あなたが気付くのは、作品がモノラルであるということです。それは、すべての個人によって歌われる単一の音楽ラインです。それでも オペラ ギリシャのドラマを再発明するための意識的な努力であり、合唱団は世代を超えて受け継がれてきた人工物でした.ギリシャとローマの古代音楽からの転機は、紀元 3 世紀の Oxyrhynchus 賛美歌に見ることができます。これは現代的なアレンジですが、元のスコアから大きく変わることはありません。
ギリシャ語のテキストは、聖三位一体の沈黙への詩的な表現であり、したがって、古代合唱団音楽の最新の例の1つですが、合唱団を新しいレベルに発展させるキリスト教の典礼音楽の最も初期に発見された曲の1つです。
チャント音楽
チャント音楽 (モノフォニックまたはプレーン チャントと呼ばれることもあり、グレゴリオ聖歌と誤って呼ばれることもある) は、今日認識されるようになり、4 世紀の聖アンブローズの時代に始まりました。そのスタイルの聖歌は、アンブロジアン チャントと呼ばれることもありますが、アンブロジアン チャントと呼ばれることもあります。これは、コール アンド レスポンスのパフォーマンス方法 (アンチ アンチ、フォニー サウンド、基本的にはサウンド アンチ サウンド) によるものです。合唱団はしばしば 2 つに分かれ、半分ずつが 1 つのセクションを歌い、もう 1 人がそれに応じて歌いました。グレゴリオ聖歌は、西暦 900 年頃に作成された独特のスタイルの聖歌ですが、この独特のコール アンド レスポンス スタイルが欠けています。キリエを行う両方のスタイルの例を次に示します。
グレゴリオ聖歌とアンブロジアン聖歌は、このスタイルの最も有名な順列ですが、モノフォニック聖歌の全歴史は、ヨーロッパ全体で発展が見られ、はるかに豊かです。これらの発展は、地元の典礼に基づいて、局所的に行われたため、異なる地域は異なるスタイルの詠唱を生み出しました.
ポルトガルとスペインのモザラビック チャントは、今もなお存在する著しく異なるスタイルの 1 つです。このスタイルの特徴は、作品にオリエンタルな雰囲気を与える微分音の抑揚です。以前にグレゴリオ聖歌とアンブロジアン聖歌で行われたミサの同じ部分のこの演奏を聞いてください。
イベリア半島の歴史に関する知識を持っている人は、この特定の変化の理由を理解する可能性が最も高いです.711年から1492年まで続き、イスラムのイベリアとしても知られるアル・アンダルスは、最盛期にはほとんどの地域を支配しました.今日のスペインとポルトガル。教会がイスラム建築の要素を取り入れたのと同じように、音楽もそうであり、微分音の抑揚は西洋のモーダルな伝統よりも中東やインドのクラシック音楽に特徴的でした。
統一
ヨーロッパ全体で数多くの豊かな伝統が発展してきましたが、教会で注目を集めた伝統には、標準化という別の目標がありました。試みはピピン3世ショートによって行われ、シャルルマーニュの時代に実現するまで続けられました.これは聖歌だけでなく、ミサや典礼にもありました。その結果、ヨーロッパの 2 つの主要な中心地であるローマと政治の中心地であるパリの聖歌スタイルを混ぜ合わせたグレゴリオ聖歌が生まれました。これは、ほとんどすべての地元の聖歌に取って代わるようになりました。ほら、また聞いてね 栄光 、しかしグレゴリオ聖歌として行われます。
西暦 900 年までに、音楽が完全に標準化されるのに十分な記譜法がありました。教会が標準化された形式を採用することを非常に厳しく主張したにもかかわらず、モザールブ様式などのいくつかの地域様式が残っていました。シャルルマーニュは、スタイルの普及の公式監督者に任命され、地域のスタイルが発展するのを防ぎました.これが、地域のモノフォニック チャントの豊かな歴史にもかかわらず、ほんの一握りのスタイルしか残っておらず、グレゴリオ聖歌がモノフォニック チャントと同義であると考えられている理由です。
初期のポリフォニー
数世紀にわたるモノフォニーの後、より多くの声が追加されました。教会が予期していなかったのは、この新しい標準化された形式の中で、個々の声が発展し始めたことです.
徐々に、より多くの行が音楽に導入されました。 Organum は、音楽のハーモニーを高めるために、少なくとも 1 つの他のボーカル ラインが追加される単純なチャントです。しかし、これは今日理解されている「調和」ではありませんでした。オルガナムの最も初期の例は、グレゴリオ聖歌で、2 番目の声が同じメロディーを歌い、4 番目または 5 番目の声に移調されていました。調性調和の基本的な構成要素である 3 度は、不協和音、つまり不安定な音程と見なされ、4 度、5 度、またはユニゾンの堅牢性が必要でした。
繰り返しになりますが、さまざまな地域がさまざまなアプローチでオルガナムを実験しました。それぞれが何かを貢献しました。後のオルガナムで様式的に最も有名で最も重要なものは、聖マーシャルと有名なノートルダム学校のフローリッド オルガナムでしたが、イングリッシュ オルガナムは、3 度の音程を支持しており、モーダル音楽がメジャーにつながる道でした。 /マイナーな調性と調和。
多くの音楽形式を生み出しましたが、中世音楽とルネサンス音楽の間の移行を大きく示したのはモテットでした。中世のモテットでは、特にオルガヌムから成長しました。 レオニン と ペロチン .基本的な考え方は、 しっかりした歌 、平易な旋律の断片で、その上に 彼らに学ばせて 、またはカウンターメロディーは、逆の動きになります。これは、対位法 (ラテン語から発展した ポイント対ポイント 、またはポイント対ポイント）が始まりました。レオニンの特徴は、2 つのメロディーが異なるリズミカルなモードで動くことです。たとえば、彼はモード 2 (2 つの長いビート) でディスカントを動かし、 しっかりした歌 最初のモード (1 つの長い、1 つの短い)。これにより、反対に動く独立した声の音が作成されました。これは現在モーダル リズムとして知られているもので、これらの不規則なパターンが組織化ツールとして定期的に適用されます。レオナンの後継者であるペロタンが証明するように、この統一された技法により、作曲家は他のカテゴリーでより自由で大胆になることができました。この 2 部構成の例を聞いてください。 全員見た レオニン、そしてペロタンによる4つのパート1。
ペロタンの作品は、レオニンに大きく基づいていました。これは、ペロタンを単なるコピー機や精緻化機として軽視しているわけではありません。彼の発展は、合唱音楽の発展にとって重要なものであり、特に、さらに多くの声を追加したことは重要でした。レオニンが 2 声で作曲したのに対し、ペロタンは 4 声を使用しました。これは、次世代の音楽に不可欠な重要な機能です。ペロタンは、レオニンの様式リズムの研究と採用を通じて、より多くの声を取り入れ、次世代の音楽と作曲家の特徴となる、より豊かなサウンドとより充実したテクスチャーを作成する方法を見つけました。
ポリフォニーの黄金時代
レオナンとペロタンによって予告されたより豊かなテクニックは、ポリフォニーの黄金時代を特徴づけるでしょう。前と同じように、カトリックのミサの部分の構造が音楽の主要な組織を提供しました。音楽がどのように発展するかを見たのは教会の関与でもあったため、これは適切です。特に重要だったのは、対抗宗教改革とトレント評議会でした。評議会の 2 つのセッションは、カトリック教会におけるポリフォニー音楽に関するものでした。 1 つ目はコントラファクトム (contrafactum) で、音楽にほとんど変更を加えずにテキストを置き換えることで、ポピュラー ソングを取り上げて大量に使用し、宗教的なテキストを追加しました。これらは音楽の完全なコピーではありませんが、ミサの音楽が編成されるカントス・ファームスとして機能します。
2番目の問題は、それ自体が形態としてのポリフォニーと、模倣によって人々がすべての重要な言葉、つまり大衆にとって非常に重要な聖典を識別できなくなるという懸念でした。一部の人々は、それが完全に禁止されるべきであると信じ、その趣旨のテキストを発行しました.他の人はそれほど極端ではありませんでしたが、音楽には明確な要素が含まれていることが重要であると信じていました.これは有名なミサのキリエです。音楽にこれができるかどうかを自分で判断してください。
伝説は続く パレストリーナのジョヴァンニ・ピエルルイジ これらの議論と教会からのポリフォニーを禁止するという噂について聞いた. 彼はフォームの豊かなテクスチャーを維持しながら、音楽を明確に改革しようとした.彼は 教皇マルケルスのミサ それを聞いたカルロ・ボロメオ枢機卿は、ポリフォニーがミサにとって理解できるものであるだけでなく、この美しい音楽を禁止することは罪であると確信したという話があります。この時代からいくつかのテキストが残っていますが、権威者にスタイルの可能性が存在することを認識させたのはパレストリーナのミサであったと主張していますが、物語の現実が実際にどの程度関連しているかについては論争があります.
コモンプラクティスの時代
インストゥルメンタル音楽と世俗音楽が支配的なスタイルとして台頭する中、声楽の伝統は静かな形で続いてきました。再訪したとき、それは重要な楽器の伴奏を伴っていました。バロック、古典主義、ロマン主義の時代に、W.A.モーツァルトや ベルリオーズ の有名なレクイエム、ベートーベン彼のコーラスの意気揚々とした使用 交響曲第九番。 しかし、比較的初期の調性調和の一般的な練習の時代の 2 つの例は、おそらく最も注目に値するものです。
最初のものはすでに議論されています前の記事. J.S.バッハ は現在、すべての芸術音楽作曲家の中で最も熟練したと考えられており、生前は作曲家としてよりもオルガンの専門家として知られていました。おそらくこれにより、彼は作品の中で音楽的なアイデアを探求することができましたが、新たに形成された競争の激しい音楽市場と競合する必要はなく、息子にとって現実のものとなったのです。 C.P.Eバッハ 、モーツァルト、そしてその後の世代。バロック合唱音楽との主な違いは、聖歌隊の横に楽器の伴奏を配置することです。調性を採用することでこれが可能になりました。これは、編成テクニックとしての主音キーの中心性が、強力なハーモニック グラウンディングを持ちながら、合唱団がポリフォニーの豊かな模倣を実行できることを意味していたためです。以前の例では、模倣によってこの結束がもたらされました。
バッハはこの分野で際立っており、これら 2 つの要素を組み合わせる可能性を実際に探求しました。強力な例は、からの合唱です 聖ヨハネ受難曲。
バッハはこの時代の巨匠と考えられていますが、 ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル （ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルとして生まれた）は、合唱団を利用した最も有名な曲を作曲しました： 救世主。 ヘンデルの作品の重要な特徴の 1 つは、オーケストラの抑制です。声と競争しようとするのではなく、声を支援します。作品には完全にインストルメンタルなセクションがありますが、ゆっくりとした静かな楽器から始まり、声の穏やかな導入につながります。
注目すべきもう 1 つの要素は、調性音楽の時代ではあるものの、 救世主 調性キーを持っていません。しかし、アンソニー・ヒックスは、ニ長調への願望があり、いくつかの重要なセクション、特に勝利を収めた「トランペット」の動きとエンディングがあると語っています。さらに、ルドルフ・シュテグリッヒは、作品全体を通して上昇四度を統一装置として非常に重要視しています。これらのいずれかが当てはまるかどうかについてはいくつかの論争がありますが、他の人は、ヘンデルのテキストへの勤勉さと想像力の一貫性に統一性を帰していると考えていますが、初期の合唱作品に何かが原因で、この音色の曖昧さがあることを示しています。
ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル
現代の例
ミニマリズムの出現により、何人かの作曲家がこの技法を合唱音楽に取り入れました。 Arvo Pärt は、John Tavener や Henryk Górecki とともに、ホーリー ミニマリストと呼ばれています。ミニマリストのスティーブ・ライヒが述べたように、ペルトは時代精神とは完全に一致していませんが、彼は非常に人気があり、とても刺激的です.彼の音楽は、ファッションとは何の関係もない人間の深いニーズを満たしています。彼の作品への関心が高まっている証拠は、2009 年の作品でグラミー賞を受賞したことです。 アダムの嘆き 、 今年初め。しかし、ペルトの作品を際立たせているのは、彼のティンティンナブリの技法です。このテクニックは合唱団を 2 つの声に分割します。1 つはトライアド (主音、3 番目、5 番目のスケール) をアルペジエートし、もう 1 つはアウトライン化された和音のダイアトニック スケールに沿って段階的に移動します。この技法は合唱音楽に限ったものではなく、彼の器楽作品で広く使用されています。 ミラーイム シュピーゲル .しかし、合唱団によって演奏されると、一定の関連性が生じます。なぜなら、このテクニックは、チャント音楽での神秘的な経験に応えて、ペルトによって開発されたからです。
http://www.youtube.com/watch?v=1A6BfyhFSVQ
彼の仕事、 マニフィカト、 はおそらく最も関連性の高い例であり、ペルトの伝記作家であるポール・ヒラーは、最もしなやかで洗練されたティンティナブリ技法を示していると考えています。さらに、チャント音楽で利用される他のテクニックを紹介します。ヒラーが提案するドローンは、時代を超越した感覚や、ペルトの作品によく見られる継続的な存在感を強化します。
現代合唱音楽の中でも、 ジェルジ・リゲティ s レクイエム おそらく最も有名です。私たちは皆、これを聞いたことがあると確信しています：
リゲティの名声は、次のような映画で彼の音楽が広く使用されたことに大きく依存しています。 2001年宇宙の旅、 最近では空挺部隊のシーン ゴジラ。 そんな注目を集めたのが彼のレクイエムですが、彼は数多くの声楽作品を作曲しています。しかし、これが唯一の理由であると主張するのは誤解を招くでしょう。
リゲティの音楽の強みはテクスチャーにあります。多くの音楽、特に合唱音楽は、耳が従う明確に明瞭なシーケンスであるメロディーに焦点を当てています。前述のように、多くの合唱音楽はモーダルであるため、他のメロディーと連携して、または他のメロディーに対して作用するメロディーに依存し、時には絡み合って識別不能になり、豊かな質感を生み出します。リゲティは極端な方法でこれを行います。彼は識別可能なメロディーのアイデアを完全に放棄し、代わりに多数の声の質感に焦点を当てています.これを達成するために彼が使用する作曲技法は、マイクロポリフォニーです。その名前が示すように、これは多くの非常に小さく、信じられないほど密度の高いカノンが互いに対立し、互いに響き合う例です。コープが明らかにしたように、その効果はクラスターコードの音ですが、さまざまなラインの動きがさまざまなライン、リズム、音色の同時性を生み出します。これはポリフォニーの極端な例であり、すべての声が互いに反対に歌っているように見えますが、実際には豊かで美しく、心に残るサウンドを生み出します。
これが、Ligeti と Pärt がこの記事に対して非常に興味深い結論を出している理由です。どちらの場合もテクスチャーが支配的ですが、そのアプローチは大きく異なります。リゲティは、中世後期からルネサンス初期にかけての最も音楽的に豊かなポリフォニーを彷彿とさせる豊かで密集した線を作成し、ペルトは物語に焦点を当てて、豊かでみずみずしい作品を生み出しています。ペルトとリゲティは、作品にコラール音楽の歴史を反映させながら、独自の要素を加えています。
複数の声
合唱音楽の歴史と多様性は広く多様ですが、この記事では、この伝統の中で音楽を作成した少数の作品と作曲家を紹介します。これらの例を楽しんでください。 ギヨーム・デュファイ 、 ジョスカン・デ・プレ 、 ウィリアム・バード 、 と トーマス・タリス 、のようなバロックの作曲家に クラウディオ・モンテヴェルディ と ヘンリー・パーセル 、のような現代の作曲家に ラルフ・ヴォーン・ウィリアムズ と ベンジャミン・ブリテン .伝統は、単一の声よりもはるかに豊かです。
参考文献:
コープ、デビッド（1997）。 現代作曲家の技法 .ニューヨーク、ニューヨーク：シルマーブックス。
ヒリアー、ポール、 アルヴォ・パート、 Oxford Studies of Composers (オックスフォードとニューヨーク: オックスフォード大学出版局、1997 年)。
West, M.L.、「バビロニアの音楽記譜法とフルリの旋律テキスト」、 音楽と手紙 、75、いいえ。 2 (1994 年 5 月)、161 ～ 79。