クラシック音楽の歴史

以上のいくつかを適切に紹介したので、 クラシック音楽のレパートリーの有名な作品 、クラシック音楽の歴史を構成するさまざまな時代の概要が、次の論理的なステップになると思いました。この用語は非常に広く、中世から現代までの音楽をカバーしています。この記事では、西洋世界の各音楽時代のいくつかの異なるスタイルとアイデアを紹介し、それらを文脈化してさまざまな発展を説明し、重要な作曲家を強調しようとします.これは決して包括的なガイドではなく、初心者がクラシック音楽をよりよく理解できるようにするための概要です。規模が大きいため (結局のところ、1000 年にわたる音楽について話しているのです)、すべてを網羅しているわけではありません。たとえば、1945 年以降の音楽は除外されました。流派やアプローチが非常に多いため、数百語では記事のメリットが得られないからです。

1. 前期：
2. 中世 (1100-1400)
3. ルネッサンス (1400-1600)
4. バロック (1600-1750)
5. 古典主義 (1750-1820)
6. ロマン主義 (1820-1900)
7. モダニズム、シリアリズム、そしてその先 (1900)
8. 最後の言葉

前期：

古楽は教会音楽や宮廷音楽として存在していましたが、最終的にバッハ、ベートーベン、ブラームスの高度に洗練された音楽となったのは、まさに初期教会音楽、特に声楽教会音楽でした。吟遊詩人、マドリガル、ミンストレルの音楽には非常に多くの美徳がありますが、記事の焦点は教会音楽に置かれています。

中世音楽の写本

中世 (1100-1400)

すべてはここから始まります。1 行のメモから始まります。プレーン チャントとも呼ばれるモノフォニック チャントは、ヨーロッパ中のさまざまなセンターで開発されました。宮廷音楽のように、それは地元の典礼に基づいており、地域ごとに異なる詠唱スタイルが生み出されました。ポルトガルとスペインのモーツァルビアン チャントとアンボリサン チャントの違いを聞いてください。どちらも、ミサの「Gloria in Excelisus Deo」部分のバージョンを行っています。

これは、西暦 1011 年にカトリック教会がミサと聖歌を標準化したことで変化し始めました。その結果、教会の中心地であるローマと、政治的中心地であるパリの 2 つの主要なヨーロッパの中心の聖歌スタイルを混合して派生したグレゴリオ聖歌が生まれました。中心。これは、ほとんどすべての地元の聖歌に取って代わるようになりました。ここで再びグロリアを聴きますが、グレゴリオ聖歌として行われます。

この標準化により、開発が開始されました。 Organumを介して、音楽に徐々に多くの行が導入されました。この音楽の多くはまだ匿名です。もう一度、さまざまなセンターがオルガナムへのさまざまなアプローチで実験しましたが、おそらく最も重要なのは英語でした. St Martial の Florid Organum は後のオルガナムで最も重要であり、有名なノートルダム学校に取って代わられましたが、英語のオルガナムは 3 度の音程を支持し、旋法音楽が長調/短調につながる道となりました。 、しかしそれについては後で詳しく説明します。これらは後に、最初に知られている作曲家のうちの 2 人、最初はレオニン、後にペロタンによって開発されました。どちらも多くの新しい作曲テクニックを提供しましたが、最も重要なのはモーダルリズムであり、本質的に不規則な音符が規則的なパターンで配置されています。

主な違いは、レオニンのスタイルがより長く華麗なラインに移行したのに対し、ペロタンはより精巧な声を使用することに重点を置き、ポリフォニーにしっかりとしたスタートをもたらしたことです。

ルネッサンス (1400-1600)

最初の動きは、中世後期のスタイルで顕著になった要素を滑らかにすることでした.特に、これはいくつかのリズムを単純化することを意味しました。しかし、これはより流れるようなスタイルを提供し、多くの点で曲の終わりに向かってより集中したリズムに追加されました.より大きな色（マイナーとメジャー）を持つ3番目の間隔は、より価値のあるものになりました。中世では不協和音と見なされていたため、5 番目と 4 番目に従属していました。

ヨハネス・オケヘムの音楽では、音楽は徐々に複雑になりました。カノンに対する彼の愛情は、彼の Missa Prolationum で聞くことができます。これは、当時の視覚芸術で見られたディテールの増加に関連しています。

1470 年代、印刷機の最初の影響が音楽に現れました。楽譜が形になり始め、音楽を伝達し、より忠実に再現するという考えが可能になりました。これはまた、1011 年の教会によるミサの標準化と同様に、ローカルな要素が、成長する国際主義、特にフランコ フラマン様式のポリフォニーによって凌駕されたことを意味しました。これに伴い、G.P. に特有の単純化が増加しました。パレストリーナ。より明確なスタイルへの移行は、反体制改革とトレント評議会の影響もありました。本質的に、当時のポリフォニー音楽は歌詞、神聖なテキストを理解できないものにするという決定に達しました。彼らは、オッケヘムのカノン スタイルのいくつかの声の混合を放棄し、5 つまたは 6 つのセクションにテクスチャを構築するデュエットとトリオの模倣を支持しました。特に重要なパッセージでは、ホモフォニー (複数の声が同じようなリズムで動く) のパッセージも増えていました。パレストリーナは最終的に、これらから対位法の自由な流れのスタイルを開発し、明快さと音楽的興味の両方を可能にしました。

この時代の古代への執着、特にギリシャ人は、音楽劇の形式を実験するようになりました。そこでは、楽器を伴う物語を声で語り、本質的にギリシャのドラマを再現しようとしました。彼らはある程度成功します。彼らは、伝統的なギリシャの演劇にどの程度似ているかは疑問ですが、今日でも存在するミュージカル劇場の形式を作成しました.

バロック (1600-1750)

繰り返しますが、バロック時代にはさまざまな場所からさまざまな作曲家が登場したため、ローカリゼーションが音楽に定着しています。この用語自体はもともと、非常に華麗で、一見一貫性のない音楽スタイルへの侮辱として使用されていました。それ以来、150 年以上にわたる幅広い作曲家を表す用語になりました。移行期の作曲家の 1 人は Jacopo Peri でした。彼はさまざまな教会や宮廷、特にメディチ家で働きました。彼のスタイルは、彼以前のルネサンス音楽やバロックを特徴付けるより装飾的なスタイルよりもはるかに複雑ではありません。彼の作品は今日ではほとんど上演されておらず、多くの場合、単なる好奇心としてのみ上演されています。それにもかかわらず、一部の人によると、彼はオペラと呼ばれる新しい形式の真の発明者であり、後にクラウディオ・モンテヴェルディによって彼の「オルフェオ」で改訂されました。

比類なき J.S.バッハ

後のバロック音楽を特徴付ける基本的な要素は、ルネッサンス期に開発された対位法に触発された調性ポリフォニーが演奏される通奏低音 (連続するベース ライン) の形の調性ハーモニーです。作曲家にとって徐々に重要になりつつあった 3 度の音程は、不協和音と半音階を管理する方法として長調と短調の出現をもたらしました。^番目世紀。これに加えて平均律の概念化、 オクターブ 十二部で。驚くべきことに、これらは完全に調整された 12 個の半音ではありません。実際には 12 の調整されていない間隔がありますが、調整されていない程度は正確であり、互いにバランスが取れていることを意味します。これにより、キー間の変調が可能になりました。ヨハン・セバスティアン・バッハの平均律クラヴィーア曲集は、ある意味で、この標準化の実現と祝賀です。インストゥルメンタル音楽は独自のものになりました。特に鍵盤楽器、すなわち ハープシコード そしてオルガンは、音楽の主力となりました。

J. S. バッハはこの時代の巨人であり、当時最も有名な音楽家とは言えませんでしたが、19 世紀以降、彼の名声は特別なものになりました。彼の主なポストは 導体 ライプツィヒでは、本質的にその町の音楽を担当していました。彼は、コラール カンタータ、ミサ曲、プレリュード、パルティータなど、さまざまな作品を数多く作成しました。バッハのカタログは、演劇に基づいた作品 (オペラなど) を除いて、その時代のすべての形式、楽器、オーケストラを網羅しています。

印刷機も標準化への道を開きました。初期の対位法を体系化した Johann Fux の Gradus ad Paranassum (1725) や、ヴァイオリンの技法と教育学を組織した Archangelo Corelli など、教育的なテキストが作成されました。この期間はまた、より大きな個人の区別を可能にしました。作曲家とパフォーマーは、それ自体で有名になり始め、彼らの知識と専門知識は、教育学を通じて、または彼らの才能を称賛するマスコミを通じて伝えられました.

典礼は依然として一部の作品の基礎を提供していましたが、作曲家は素材を別の方法で編成することを選択しました。単一のキー内にとどまる必要があるため、「トニック」またはホームキーに戻るために音楽素材を整理する方法が必要になるため、形式がより重要になりました。これにより、次のフレームワークが提供されました。 ソナタ 形だけでなく、テーマやバリエーションのアイデア。フォームの基本は、バイナリ (AABA) またはトリオ (ABC) の基本をカプセル化したものです。

古典主義 (1750-1820)

ルネッサンス期には、古典古代 (名前の由来) に焦点が移り、人々はそれを新しい芸術や建築でエミュレートしようとしました。バロック時代と同じように形式と階層に重点が置かれていましたが、バロックの複雑で装飾的なスタイルとは異なり、明確な分割、強いコントラスト、およびよりシンプルなスタイルに重点が置かれました。簡単に言えば、ポリフォニーは従属的なハーモニーを伴う単一のメロディーに取って代わられました。ソナタの第 1 主題と第 2 主題の間など、転調の変化を明らかにすることがますます重要になってきました。技術的な専門知識を備えた年配のミュージシャンの知識が必要でしたが、新しいスタイルは若いミュージシャンから生まれました。 C.P.E.バッハは、これら 2 つの優れた組み合わせを証明しました。彼は父親から古い技術の知識を得ましたが、それらを大衆に好まれる新しいスタイルで利用することができました.この移行期間は、次のようなものにつながります ジョセフ・ヘイデン と ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト 1730年から1760年頃の日付。事実、バッハは今でも尊敬されているものの、ある種の遺物になっていました。

シンプルさには、経済的な理由と利点もありました。新しい音楽への嗜好は世間の注目を集めるようになりましたが、作曲家が利用できるリソースはかなり限られていました。バッハはライプツィヒのすべての音楽家を自由に使えるようにしていましたが、モーツァルトは例として音楽家を雇わなければならず、それはリハーサルを意味し、リハーサルにはお金がかかりました。予算を抑えるために、リハーサルが1回で済む作品が流行しました。

音楽を聴く法廷集会

この時期、宮廷音楽 (作曲家は貴族に仕えていました) が盛んになりました。 c マンハイムのオーケストラ 当時最も有名だったので、ヘイデンやモーツァルトを含む多くの作曲家の音楽スタイルに影響を与えました。ヘイデンはしばしば両方の父と呼ばれます 交響曲 そしてその 弦楽四重奏 .幼い頃から音楽の訓練を受け、最終的にはウィーンの聖シュテファン大聖堂の聖歌隊員として雇われました。彼が年をとるにつれて、彼の声は不利に成熟し、仲間の聖歌隊員に悪ふざけをした後、彼は解雇されました.その後、彼はさまざまな仕事に就き、音楽理論と作曲の知識が不足していることに気付き、バロック時代に印刷された多くのテキスト (特にフックスの論文) を研究し、C.P.E. の作品を研究しました。バッハ。これは最終的にエステルハージ邸での雇用につながり、彼の明確なスタイルと成功を発展させるのに役立ちました.

もう1つの大きな経済的変化は、ミュージシャンがますますフリーエージェントになったことです。以前は、音楽は法廷内および法廷のためにのみ作成されていました。たとえば、モーツァルトは、王室の後援に頼るのではなく、自分の資金を調達するためにコンサートの定期購入を販売しました。一方、ヘイデンは法廷での任命の安定性を利用して、その時代の新しい美学の中で作品を作曲および構造化する新しい方法の作成に焦点を当て、モーツァルトはパブリックドメイン内での成功を求めました。これは、巨匠のパフォーマーであり、オペラを作曲することを意味しました。これらは両方とも、数夜にわたる演奏とツアーのスケジュールを可能にし、モーツァルトが実行可能な収入を生み出すことを可能にしました。彼はまた、単一の作品内でより多くの半音階のコードの使用とメロディーの組み合わせを好みました。ヘイデンとのトレーニングにより、彼はより構造化された規律あるアプローチを身につけ、よりカラフルで名人になりました。彼の作曲スタイルは、オーケストラ内でより多くの注意と相互作用を必要とし、個々のミュージシャンに大きな挑戦をもたらしました.このより技術的なアプローチは、演奏者だけでなく作曲家にもより多くを要求し、大衆はより多くを切望しました。同時に、これらのスキル要件の増加は、1780 年頃の後期古典主義を初期の移行期 (1740-1760) と区別しました。ヘイデンもモーツァルトも当時天才と見なされ、大きな成功を収めました。

続いて、新世代のミュージシャンが登場し、最も有名で最も称賛されたのは間違いなく ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーベン .モーツァルトと同じように、彼は名演奏家としての評判を得ており、特に即興演奏で知られています。しかし、彼の作品はさらに大きな影響を与えました。それらはより長く、より複雑でした。 「ボーカル」とは対照的に、より「ピアニスティック」であり、楽器間のより大きな相互作用を保証し、新しいスタイルにつながりました.複雑さよりも単純さという初期の古典主義の概念は、奪われつつありました。フォームにより、音楽素材のより多くの探索が可能になりました。これが最も明確に見られる場所は、ベートーベンの作品の展開部分です。モーツァルトの遊び心ではなく、ベートーベンは自分のテーマを大きく、大胆で、複雑な方法で作り直しました。彼の主な焦点は、記念碑的で独創的なアートワークを作成することでした。結果として、彼の質の高いアプローチは、彼がより少ないボリュームを作成することを意味しました.ヘイデンが100以上の交響曲を作曲したのに対し、モーツァルトは41を書き、ベートーベンはちょうど 9つの交響曲 .しかし、ベートーベンの交響曲に存在する感情的な強さと音楽の洗練さは、究極の変化を示しています。ベートーベンは古典主義者としてキャリアをスタートさせましたが、原始ロマン主義者としてキャリアを終えました。

ロマン主義 (1820-1900)

自然への関心の高まり、主観的思考の賛美、超自然への関心がロマン主義の特徴でした。クラシック時代に起こった標準化は、各作曲家が独自の主観的なアプローチを持っていたため、テストされ、限界まで押し進められました。その結果、ノクターン、ラプソディ、プレリュードなどの自由形式のスタイルが人気を博しました。これの典型的な例は フレデリック・ショパン .彼はマズルカに民俗音楽の要素を取り入れましたが、それらはコンサート ホール向けのものでした。

ミュージシャンは、独立して、またはさまざまな音楽教育組織を通じて活動できるようになったため、貴族から解放されました。そのような方法の 1 つは、中産階級の音楽への関心が高まり、作曲家が定期的な収入を得る手段を提供することでした。たとえば、ショパンはコンサートで数回しか演奏しませんでした。彼の通常の収入は、レッスンの提供と原稿の販売によるものでした。

この独立性により、他の人はグランドツアーのスケジュールやコンサートを行うようになりました。作曲家とパフォーマーは本質的にロックスターになり、大衆に愛されました。主な例の2つは、バイオリニストのニコロ・パナニーニとフランツ・リストです。パガニーニは実際にリストにインスピレーションを与え、ヴァイオリンでの彼の技術的成果をピアノに合わせました。決闘は、ピアニストの間の定期的な機能のようなものになりました.リストは、仲間の作曲家であり巨匠であるシジスモント・タールバーグと特別なライバル関係にあり、メディアでの他の人気を本質的に低下させようとしました。これは実際にはうまくいかなかったので、スコアを解決するために、1837 年 3 月 31 日、リストとタルバーグはクリスティーナ ベルジョジョソ王女のサロンで決闘を行いました。それぞれが最初に、すでにレパートリーにある曲を演奏しました。その後、それぞれが会議のために特別に準備した非常に技術的な難題を演じました。リストの『Reminscences de Robert le Diable』でした。出席者は引き分けと呼んだものの、長年リストと競い合ってきたタルバーグは二度と彼に挑戦することはなかった。

このスペクトルの反対側の 1 つがワーグナーでした。ワーグナーは、芸術の詩的、視覚的、音楽的、劇的な要素が一緒になった Gesamtkunstwerk (総合芸術作品) を作成したいと考えていました。オーケストラはこの時期に成長し、より多くの楽器が導入され、既存の楽器の役割が大きくなりました。しかし、ワグナーにとって進歩は遅すぎた。彼はそれをもっと大きくしたかった。オクトバスなど、彼がオーケストラ用に指定したいくつかの楽器は、人々が演奏する必要があるほど大きな低音でした。彼はまた、この時期にバイエルン王ルートヴィヒ 2 世の支持を得た数少ない作曲家の 1 人でもありました。これにより、彼はバイロイト フェストシュピールハウス (祝祭劇場) を建設することができました。ここでは、オーケストラはフードの下に隠されています。これは、まずオーケストラの視界からオーケストラを取り除き、ドラマがワーグナーにとって重要であり、次に歌手とオーケストラの間のバランスを修正するためです。音楽は、音楽の劇的な効果に追加された多量の半音階と不協和音を使用しました. Ring Cycle はこの時代の巨大な作品ですが、ワーグナーの作品を特徴付ける感情的な憧れと半音階の反抗を強調する有名な Tristan Chord (00:12) を伴う Tristan und Isolde の Prelude です。

モダニズム、シリアリズム、そしてその先 (1900)

2 世紀の初めまでに、作曲家は一般的な慣行の時代に発生した慣習や標準化にうんざりし、そこに音楽を編成するためのより多くの方法を模索し始めました。セルゲイ・ラフマニノフのように、1940 年代までロマン派のスタイルで音楽を作曲した人にとっては、これは単純にこれらの慣習を拡張することを意味していました。

イゴール・ストラヴィンスキー

他の人は、以前の慣習を再定義、変更、または拒否することを選択しました。 クロード・ドビュッシー これらの作曲家の一人でした。もともと魅了された ワーグナー の非常にクロマチックな音色の音楽は、最終的にそれが夜明けと間違えられた美しい夕日であるという結論に達しました.彼は、他の人たちと同じように、ワーグナーの調性へのアプローチが調性への z 制限であることに気づいていました。したがって、彼は自分の資料を整理する他の方法を探しました。ある意味、彼は過去を振り返り、中世やルネサンス期と同じようにモードを作曲に使用しました。これにより、彼は音色のあいまいさと音楽を動かす自由を手に入れました。 牧神の午後への序曲 .また、ドビュッシーが非機能的なハーモニーを使用していることも明らかになりました。そこでは、作品を前進させるのではなく、ハーモニーが単にメロディーを彩っています。この時期、金管楽器と管楽器が伝統的な弦楽器と競合し始めました。

2 世紀初頭のもう 1 つの巨大な作品は、 イゴール・ストラヴィンスキー 春の祭典です。 1913年の初演で大衆の怒りと暴動を引き起こしたことは有名で、一見不協和音のメロディーが混ざり合い、強いリズムの暴力的な性質がモダニズム時代の魅力の新しい領域を明らかにしました。ピッチを音楽の主要な要素として持つのではなく、テクスチャ、リズム、トーンによって作成される雰囲気に従属するようになりました。

そして最後に アーノルド・シェーンベルク そして十二音音楽。ドビュッシーやストラヴィンスキーが新しいエキゾチックな技法や音を求めて音楽を制作したのに対し、シェーンベルクは平均律の 12 音という一般的な練習の時代の基盤に固執するようになりました。無調音楽と呼ばれることもあり、これが完全な混沌に陥るのを防ぐために、シェーンベルクは 12 のすべての音色を連続して使用し、その連続を作品の残りの部分で繰り返す必要があるシステムを導き出しました。このシステムは、彼の同時代の人々とは異なる方向からアプローチされていましたが、テクスチャ、楽器、ダイナミクス、およびリズムにもより重点を置く必要がありました。

興味深い、忘れられない効果を生み出していますが、実際にはあまり受け入れられていません.それにもかかわらず、シェーンベルクの技法は、次のような作曲家とともに、その後数十年間、西洋音楽において極めて重要でした。 ピエール・ブーレーズ と シュトックハウゼン 彼の 12 音技法を完全なセリエリズムに発展させ、ピッチからダイナミクス、リズムまでのすべての要素がすべて厳密なシステムにさらされました。繰り返しになりますが、結果は人気がなく、ミニマリストなどの多くがそれを完全に拒否しました.

最後の言葉

この西洋のクラシック音楽の歴史の紹介が、さまざまな時代のさまざまなスタイルの印象を与えてくれたことを願っています.何よりも、さまざまな種類の音楽をより楽しんでいただけることを願っています。クラシック音楽の好きな時代、または好きな作曲家は?コメントでお知らせください。